文圖／石吉智  (極至體能舞蹈團藝術總監/清華大學助理教授)

我個人是從美術背景，轉換到舞蹈編創。有人問我：「舞者有必要學『美術』嗎？」我個人認為，最好能涉獵「美術相關知能」和「藝術相關賞析」。所以個人提出10點淺見：
    1.在歐洲，「表演藝術」同被視為「視覺藝術」的範疇。
    2.如果把舞蹈看成「會動的人體雕塑」，那舞者學會看圖畫，就是基本的訓練。中世紀時期，雕塑的難度，被視為高於繪畫，所以繪畫只是雕塑前的設計草圖。舞者如能具備2D與3D的相互轉換能力，工作速度與判斷也會更好。
    3.舞台空間中的所有造型和點、線、面，都是觀眾眼中「會動的構圖」。
    4.舞者肢體造型轉換的點、線、面，可以是觀眾眼中的「動態雕塑」，享受他的動力的美感。
    5.美術訓練包含色彩學、造型原理、空間構成、藝術概論，還有手繪實作等，多學絕對有益。不是跳得好不好的問題，是眼界、觀念、審美層次的高度。
    6.身體能力是與生俱來的天份，但藝術絕對不要被「身體」綁住，若侷限在「用身體」這件事，只會用「身材和體能」來論人成就高低，這是相當狹隘可悲的。藝術從生活中找尋靈感，充滿觸發驚喜。透過觀察+體驗+想像，方能選擇+組合+表現。
    7.音樂、文學、繪畫、戲劇等，所有藝術項目，如果沒有生活體驗和融會貫通，只把「藝術」當「技術」，真的走不遠，也不快樂。
    8.舞台上的燈光、服裝、裝置、道具等，諸多設計多與「舞台美術」相關。專業舞者的黃金歲月有限，若能修習美術相關課程，有利於他日轉型執業。
    9.表演藝術的定義之一：「表演者與觀眾，必須相處同一空間，表演者處於即時『被觀賞』狀態。」身為舞者，若能設身處地，以觀眾的角度來察覺「空間及畫面」的美感關係，將可讓自己的表演層次更上層樓。
    10.俄羅斯的芭蕾舞者，鋼琴是必修課程；德國的舞蹈學校，會安排藝術設計相關課程；美國，手繪課程更是必修學分。在這個藝術跨域的年代，不應排斥跨界學習的機會。
    最後，我想說：舞蹈系學生好好跳舞是本份，善用爸媽給你的好身體，挖掘身體潛質，展現於舞台上，是生命中美好的恩寵。但畢業後將不再面臨「拿學分，才能畢業」，可能直接面臨業界要求的教學功力、風格詮釋、行政概念、待人接物、基本禮貌、口頭簡報、編創發表、活動執行等實際的實戰工作。
    確實，舞台上的掌聲，很容易讓年輕人沖昏了頭，忘卻除了跳舞，人生還有很多值得學習的事物。
    你若為舞蹈系生，是否思考到畢業後面臨的競爭？因為你會的事，同學也都會，你懂的知識，同學也都懂；那請問，你有何過人之處？如果其他領域科系的畢業生已經一日千里，決戰國際市場，而你仍不自知，這將是很危險的喔！